La Mirno zivljenje, znana tudi kot Tihožitje, je vrsta slikarstva, za katero je značilna zanimiva upodobitev neživih predmetov, kot so: hrana, rože, rastline ipd., v določenem prostoru. Če želite izvedeti nekaj več o tej čudoviti slikovni zvrsti, ostanite in uživajte v vsebinah, ki smo jih naredili posebej za vas!
Kaj je tihožitje?
Izraz tihožitje pripisujemo umetniškemu toku, ki je odgovoren za upodabljanje načina dojemanja različnih elementov, prisotnih v realnosti, vendar z določenim poudarkom na stvareh, ki se nanašajo na naš dan, poglabljajo interpretacijo in dinamiko. čutov okolja z vidika avtorja.
Podobno bi tihožitje, kot je tudi znano, v osnovi lahko opredelili kot slikovno ali fotografsko kompozicijo, v kateri so predstavljeni neživi predmeti, predvsem hrana in gospodinjski pripomočki, kot so: sadje, zelenjava, posoda, hrana itd. Običajno so ti predmeti postavljeni na vrh mize.
Prav tako se, vendar redkeje, odražajo v delih: glasbila, mrtve živali, rastline, kamni, knjige, nakit itd. Ta veja slikarstva običajno uporablja dizajn, kromatizem in osvetlitev, tako da se ustvari učinek izjemne spokojnosti, harmonije in dobrega počutja.
Pogosto ga pripisujejo nazivu enega najbolj znanih žanrov v zgodovini umetnosti in tistega, ki svojim umetnikom daje največ ustvarjalne svobode. Njegovi izvori segajo v antiko, davno pred 1700-imi, kjer so teme nekoliko drugačne od današnjih.
Na začetku je ta razred slik obravnaval bolj religiozne teme s simboliko, povezano s predstavljenimi predmeti. Sčasoma so se tehnike in teme razvile z modernističnimi tihožitji, ki so razbijala vse vrste dimenzijskih ovir ter uporabljala fotografijo in tehnologijo.
Nekateri so vsebovali celo različna avdiovizualna gradiva. Vendar po spremembah, ki so jih vsilili izvajalci, njegovo bistvo ostaja enako. Njegova priljubljenost je bila impresivna v različnih obdobjih, kulturah in gibanjih, vključno z nadarjenim Pablom Picassom in Paulom Cézannom kot nekaterimi njegovimi predstavniki.
Zgodba o tihožitju
Če želite izvedeti več o nastanku tihožitja, je izredno pomembno opozoriti na njegovo zgodovino, ki bi jo lahko razdelili na več stopenj. To so naslednje:
Starodavna umetnost
Obstaja več sledi, ki trdijo, da prva tihožitja, najdena v zgodovini človeštva, segajo v sredino petnajstega stoletja pred našim štetjem, v starodavni Egipt. Ti so bili v bistvu sestavljeni iz načina okrasitve notranjosti njihovih grobnic, saj so verjeli, da bodo te slike odnesene v posmrtno življenje.
Z drugimi besedami, Egipčani so verjeli, da se lahko vsak predmet, ki je povezan s hrano in domačim življenjem, odnese na drugo stran, tako da ga lahko pokojnik uporabi. Najbolj znano tihožitje v egipčanski kulturi je bilo najdeno v grobu pisarja Menne.
Na tem mestu so bile vse stene odlično okrašene s številnimi detajli iz njihovega vsakdanjega življenja. Stari Grki so bili zadolženi tudi za prikaz svoje izjemne spretnosti s slikami o kozarcih in predstavah predmetov in živali, ki so pogoste v njihovi družbi.
Poleg tega so bila najdena še druga podobna tihožitja, nekoliko enostavnejša in z realistično perspektivo, v stenskih poslikavah iz starega Rima ter v mozaikih in freskah iz XNUMX. stoletja v Pompejih, Herkulaneju in vili Boscoreale, kot je »Tihožitje s stekleno skledo sadja in vaze«, da navedem primer.
Uporabljali so jih predvsem kot nekakšen okras, poleg tega pa kot način, da v mozaike ujamejo način življenja, ki so ga vodili glede na svoje običaje in tradicije. Podobno so delovali tudi kot dvojna znamenja negostoljubnosti in praznovanja življenja.
Te okrasne mozaike so imenovali emblemi in so jih običajno našli v domovih Rimljanov visoke družbe. Višji sloji so skušali pokazati proletariatu in potomcem raznolikost hrane, ki so jo uživali na svojih mizah dan za dnem.
Postopoma, od XNUMX. stoletja, so rože in hrana postali jasen prikaz letnih časov in petih čutov človeka. Po drugi strani pa so lobanje začeli uporabljati v delih, ki simbolizirajo smrtnost in minljivost.
Precej običajno je bilo, da je lobanje v tihožitjih spremljal napis »Omnia mors aequat«, kar v španščini pomeni »Smrt je enaka vsem«. Ta vrsta umetnosti se je imenovala "Vanitas", ki je imela večjo vlogo s prihodom baročnega slikarstva in slikarjev nizozemskega porekla.
Samo po sebi je popularno spoštovanje realizma v žanru povezano z legendo iz Grčije o Zeuxisu in Parrhaziju, dveh umetnikih, ki sta se vse življenje potegovala, kdo je bolj sposoben ustvariti predmete, ki spominjajo na resničnost, saj so del najstarejši opis tehnike trompe l'oeil.
Srednji vek
V začetku XNUMX. stoletja, v srednjem veku, je tihožitje uspelo obuditi v slikah z versko tematiko, vendar kot vsakdanji predmeti, ki so služili kot spremstvo protagonistov. Upoštevali so jih kot način okrasitve upodobljenih prizorov.
Tovrstna slikovna upodobitev je bila vse do prihoda renesanse manjša, saj je bila običajno podrejena drugim žanrom, kot so portreti ali samo religiozno slikarstvo, zaradi česar se je pogosto povezovala z verskimi in alegoričnimi temami.
Takšno točko je bilo mogoče veliko opaziti v delih severnoevropskih umetnikov, katerih šarm za optimalno simboliko in realizem je bil precej detajlen, zaradi česar se je splošno sporočilo vsake njihove slike začelo razsipavati z izjemno pozornostjo.
Tako je tihožitje postalo alternativa za zajemanje simbolike na slikah. Pravzaprav je razvoj tehnike oljnega slikanja prispeval k temu, da so imeli ti predmeti vrhunski realizem. To je bilo zato, ker se je olje počasneje sušilo, kar je omogočalo, da ga je mogoče obdelati v plasteh.
Hkrati daje umetniku možnost mešanja in ujemanja toliko barv, kot želi. Med njegovimi glavnimi razvijalci bi lahko omenili flamskega slikarja Jana van Eycka, ki je uporabljal* različne elemente tihožitja v okviru, kot je sam poimenoval svoj ikonografski program.
Drug pomemben flamski slikar, kot je Petrus Christus, je leta 1449 naslikal portret ženina in neveste na obisku zlatarja z naslovom "Zlatar v svoji delavnici", kar je najbolj nazoren primer tega, kar je znano kot prehodno tihožitje, saj predstavlja tako religiozno in sekularne fundacije.
Čeprav bi njuno sporočilo lahko obravnavali predvsem kot alegorično, so figure mladega para povsem realistične. Poleg tega so predmeti, ki jih opazujemo, torej preostali del prizora, opisani dokaj podrobno, le da gre pravzaprav za prikaz draguljarja kot svetega Eligija in nekaj simboličnih predmetov.
V srednjem veku so upodobitve tihožitja v tradicionalnih slikah prešle v ozadje, saj so se začele odražati v vratih s čisto dekorativnim namenom. Na enak način je bil še en korak za njihovo avtonomijo, da so začeli slikati vaze s cvetjem ali s heraldično in simbolno vsebino.
Poleg tega je veliko slikarjev uporabljalo tihožitje kot način okrasitve ilustriranih rokopisov. Na robovih teh knjig lahko najdete kovance, školjke in koščke sadja. Primer bi bil dodelano besedilo iz XNUMX. stoletja "Knjiga ur Katarine Kleveške".
Renacimiento
Ni dvoma, da se je umetnost s prihodom renesanse v primerjavi s preteklimi obdobji korenito spremenila. Kljub dejstvu, da je tihožitje veljalo za manjvreden slog glede na alegorije ali portretiranje, je bilo takrat odločeno, da se prekine vse vrste odnosov s simbolnim in religioznim.
Eden prvih, ki se je osvobodil verskega jarma, kar zadeva umetnost, je bil slavni florentinski polimat Leonardo da Vinci, ki je bil kasneje zadolžen za temeljito preučevanje narave in jo ujeti na platno s tehniko, ki jo je sam ustvaril, akvarel.
K temu je dodan nemški umetnik Alberto Dürer, katerega prispevek je bil tudi izdelati podrobne risbe in slike o flori in favni. Italijan Jacopo de'Barbari se je s svojim delom “Tihožitje z jerebico, rokavicami in samostrelnimi puščicami” zavzel za korak naprej.
Slika Benečana je znana kot ena prvih tihožitij trompe l'oeil, podpisana in datirana z versko vsebino, zmanjšano na minimum. Od tam izhaja prepričanje, da je v XNUMX. stoletju prišlo do eksplozije zanimanja za naravo.
Prav tako se je znatno povečalo ustvarjanje razkošnih botaničnih enciklopedij, ki so zbirale dokumentacijo o odkritjih Novega sveta. Prav tako je bil večji impulz na začetku znanstvene ilustracije in pri klasifikaciji vrst.
Tudi mnogo stoletij pozneje še vedno velja za čas popolnega raziskovanja narave, zaradi česar se je na enak način izrazila tudi v slikarstvu. Različne študije, ki so se izvajale postopoma, so se začele uporabljati kot model za iskanje realizma v umetnosti.
S prihodom tega umetniškega gibanja so umetniki zamislili naravne predmete našega okolja kot posamezne študijske elemente, ki so jih ločili od vsakršne mitološke ali verske povezave. Poleg tega je bila zgodnja znanost o zeliščnih zdravilih sprejeta kot nova praktična razširitev znanja.
Za financiranje zbirk živalskih in mineralnih vrst so evropski plemiči in meščani začeli ustvarjati preprosto pohištvo, v katerem so razstavljali eksotične in zanimive predmete z vsega sveta. Imenovali so jih "omare zanimivosti" ali "čudežne sobe".
Kot rezultat njihovega razvoja so jih umetniki uporabljali, da bi dobili navdih in iskali realizem in inovacije, ki so jih potrebovali. V rezidencah teh visokodružbenih pokroviteljev so nabirali redke sadeže, rože, rastline, školjke in žuželke ter jih trgovali za domačine.
Primer tega bi lahko bil tulipan, cvet, ki se pogosto uporablja v tihožitjih, zato se domneva, da izvirajo iz Nizozemske. Vendar ni tako, Turčija je država, od koder prihajajo in v kateri so pravi nacionalni simbol.
Znanost o hortikulturi je doživela impresivno kulturno eksplozijo, ki je vzbudila vse zanimanje evropske celine. Ta nastajajoči trend so ga najbolj inteligentni slikarji uspeli izkoristiti z izdelavo na stotine tisoč tihožitij. Treba je opozoriti, da so bili glede na posamezne regije ali sodišča določeni interesi.
Močna in vplivna florentinska družina Medici je imela precej značilno strast do predstavljanja citrusov. Zaradi impresivne razpršenosti naravnih primerkov in vse večjega zanimanja za njihovo ilustracijo po vsej Evropi je v 1600. stoletju prišlo do ustvarjanja sodobnih tihožitij.
V drugi polovici XNUMX. stoletja je tihožitje doživelo novo evolucijo in je dobilo ime kot avtonomno. Postopoma se je verska vsebina na slikah zmanjševala, tako po velikosti kot po lokaciji. V igrah so ostali implicitni le moralni nauki.
Za ponazoritev bi lahko poimenovali »Dobro založeno kuhinjo« (1566) flamskega slikarja Joachima Beuckelaerja, saj ima realistično predstavo surovega mesa, ki prevladuje v ospredju, medtem ko je prizor v ozadju odgovoren za prenašanje nevarnosti pijanost in razvratnost.
Druga bi bila slika Annibale Carracci "The Treatment" (1583), ki se dotika iste teme, vendar začne zatirati moralna sporočila, kot so to storile različne tihožitja "kuhinja in trg", ki so nastala v letih tega obdobja.
Ikonografijo tihožitij s številnimi rožami so popularizirali tudi nordijski umetniki. Tradicionalno so kosi predstavljeni z zelo pisanimi rastlinami, ki izvirajo iz različnih narodov in celin, vse v isti vazi in v enem samem cvetočem trenutku.
Precej običajno je bilo, da niso vključili drugih protagonistov. Njen vrhunec je bil v začetku XNUMX. stoletja, ravno v trenutku, ko so se nordijski slikarji še bolj zanimali za razvoj večplastnih realističnih študij s predmeti iz vsakdanjega življenja v evropskih družbah.
V tako imenovani zlati dobi so različni nizozemski umetniki tistega časa svojo fascinacijo s podrobno cvetlično umetnostjo dvignili na višjo raven s slikami "Vanitas". Ti so navdihnjeni z latinsko frazo "Memento mori", slikovni žanr, katerega ime bi v španščini prevedli kot "Ne pozabite, da boste umrli".
Tako kot pri predstavah memento mori je bila tudi pri tovrstnih delih težnja po kombiniranju cvetja z različnimi predmeti: človeške lobanje, sveče, peščene ure itd. Slednji so bili skoraj vedno upodobljeni na glavo, da bi se sklicevali na komentar o minljivosti življenja.
Toda za razliko od umetnosti memento mori so bile slike vanitas zadolžene za vključitev drugih dodatnih simbolov, kot so: glasbila, steklenice vina in knjige, ki nas eksplicitno opominjajo na nečimrnost posvetnih užitkov in dobrin.
XVII stoletje
Kljub temu, da je tihožitje pridobilo veliko popularnost med različnimi družbenimi skupinami, ki so sestavljale Evropo XNUMX. stoletja, v tem obdobju ni bilo mogoče izenačiti spoštovanja do slik, ki so predstavljale zgodovinske, verske in mitske dogodke.
Na začetku tega stoletja so priznani akademiki, kot je Italijan Andrea Sacchi, zelo jasno povedali, da žanrska scena in tihožitje ne dajeta resnosti, zaradi katere je slika nekaj velikega in transcendentnega. Hkrati so precej uspešni italijanski umetniki našli pomembno pokroviteljstvo za svoj čas.
Kljub temu so slikarji, čeprav jih je bilo zelo malo, običajno izbrani ali pa so bili prisiljeni slikati teme s tihožitjem, kot je bilo denimo pri baročnih Fede Galizia, Laura Bernasconi in Giovanna Garzoni. Različni umetniki iz Italije, ki so se odlikovali v različnih žanrih, so naredili tudi nekaj tihožitij.
Natančneje, Caravaggio je bil eden od predhodnikov pri predstavljanju tihožitij z določeno zavestjo o slikovnem delu, torej je delal tihožitja v povezavi s svojim vplivnim naturalističnim slogom. Njegovo najboljše delo, nazoren primer čistega tihožitja, je "Košara s sadjem" (1599), saj je predstavljena z največjo natančnostjo in lokacijo v višini oči.
Ta slika je bila do njegove smrti v lasti kardinala Carlosa Borromea, ki je bila dolgo cenjena tako iz estetskih kot verskih razlogov. Flamski slikar Jan Brueghel starejši je za kardinala naslikal tudi svojo sliko "Grand Milanese Bouquet" (1606), kar kaže, da je slika nastala v celoti iz življenja.
Ti dve sta bili del kardinalove obsežne zbirke tihožitij, skupaj z njegovo zbirko zanimivosti. V obsežni skupini italijanskih tihožitij izstopa “The Cook” Bernarda Strozzija, zelo dobro izvedena kuhinjska scena na nizozemski način.
Po eni strani delo predstavlja natančen portret mladega kuharja, na drugi pa upodobitev ptic divjadi, ki jih bodo pripravili. Podobno je eno od redkih Rembrandtovih tihožitij, "Tihožitje s pavi", združilo očarljiv portret mladega dekleta v družbi ptic divjadi.
Navedeno nam daje razumevanje, da se je izven italijanskega ozemlja na enak način izvajalo raziskovanje žanra, predvsem v nordijskih državah. To se je zgodilo tako v provinci Severna Nizozemska kot na jugu, kjer se je pojavilo več različic žanra.
Med njimi izstopajo kuhinjsko tihožitje, zajtrkovalno tihožitje in enobarvno tihožitje. Prvi je naslikan z lovskimi predmeti, kot so tisti Fransa Snydersa, drugi, kot so Clara Peeters, Jacob Foppens van Es in Osias Beert, in tretji, ki je nastal okoli leta 1625, kot so Pieter Claesz in Willem Heda, njegova dva najbolj reprezentativna avtorja.
Tihožitje se je osamosvojilo v inovativni umetniški klimi Nizozemske, saj so ga imenovali "stilleven", kar pomeni v španščini "mirna narava". Po drugi strani pa v romanskih jezikih in v ruščini, če bi jo poznali pod izrazom "tihožitje".
Medtem ko so slikarji našli omejeno alternativo ustvarjanju verske ikonografije, ki jim je bila dolgo prepovedana zaradi omejitev nizozemske reformirane cerkve, je severni običaj podrobnega realizma in njegovih okultnih simbolov začel privabljati vse več umetnikov. država.
To je postopoma nadomeščalo cerkev in državo, ki je veljala za največje mecene v regiji. Prav tako se je v tem stoletju pojavila nova podzvrst, imenovana "cvetlično tihožitje", ki se jasno nanaša na to temo.
Nastal je iz nenehnega zanimanja za gojenje cvetja, ki ga je kasneje jemalo kot estetske in verske predmete, kar je bistveno pripomoglo k razvoju te zvrsti tihožitja. Zlasti na Nizozemskem so cvetlično tihožitje prodajali na odprtih trgih ali v istem ateljeju njegovih umetnikov.
Ni pa bilo običajno, da se izvaja po naročilih, kar je vplivalo na vsakega slikarja, da je ustvaril precej osebna dela, ki so bila odvisna od okusa in značilnih stilov. Skoraj vedno so bile preproste, a lepe upodobitve vaz in girland.
Ta žanr je imel na voljo neskončno število strokovnjakov, med katerimi izstopajo: Daniel Seghers, Jacob Caproens in Jan Brueghel starejši za Flandijo, Mario Nuzzi in Margarita Caffi za Italijo ter Bartolomé Pérez de la Dehesa, Gabriel de la Corte, Juan de Arellano in Pedro de Camprobín za Španijo.
Njegova priljubljenost in pomen je bila tolikšna, da je bil dobršen del nizozemske tehnike slikanja cvetov kodificiran v razpravi Gerarda de Lairessea iz leta 1740 z naslovom "Groot Schilderboek". Dala je veliko nasvetov o barvi, aranžmaju, potezah čopiča, harmoniji, kompoziciji, perspektivi itd.
Od začetka krščanske dobe se je simbolika rož močno razvila. Med najpogostejšimi cvetovi in njihovimi pomeni najdemo: vrtnica (ljubezen), mak (moč, smrt), columbine (žalost), sončnica (zvestoba, predanost), tulipan (plemenitost), lilija (čistost, pravičnost), vijolica (ponižnost). , skromnost), med drugim.
Kar zadeva žuželke, so metulji simbolizirali preobrazbo in vstajenje. Kačji pastirji so predstavljali minljivost, mravlje pa vrednost trdega dela. Poleg tega so se nizozemski umetniki trudili specializirati in uspešno obudili starogrški žanr tihožitja trompe l'oeil.
Predvsem so to storili kot posnemanje narave ali mimesis in ga poimenovali kot "bedriegertje", v angleščini "mala prevara". Samuel van Hoogstraten je bil prvi, ki je slikal slike s policami, na katerih so bili različni predmeti predstavljeni pribiti, privezani ali tako ali drugače prilepljeni na mizo.
Ta vrsta tihožitja bi postala zelo znana v XNUMX. stoletju v Združenih državah. Drugačen vidik trompe l'oeil je bil odgovoren za predstavljanje predmetov, povezanih s posebnim poklicem. V »Slikarjevem stojalu s koščkom sadja« flamskega slikarja Cornelisa Norbertusa Gysbrechtsa je zajeto vsako od orodij slikarskega obrta.
Prav tako je ta vidik s seboj prinesel ločeno identifikacijo in razvoj alegoričnih zbirk in nečimrnega slikarstva ali vanitas. V slednjem so bili uporabljeni čudoviti sadni in cvetlični aranžmaji, knjige, kipci, kovanci, nakit, vrči, slike, posoda, glasbila, ki so jih spremljali simbolični opomniki, kako kratko je življenje.
K temu je dodana uporaba lobanj, peščene ali žepne ure, goreče sveče in prevrnjene knjige, da bi odražali moralizatorsko sporočilo minljivosti čutnih užitkov. Povsem običajno je, da se nekateri plodovi in cvetovi pokažejo v procesu gnitja ali propadanja, zato je poudarjen enak premislek.
Podobno je sredi tega stoletja postalo priljubljeno slikarstvo s širokim izborom primerkov na alegoričen način, od petih čutil do štirih celin in štirih letnih časov, ki zajemajo boginjo ali metaforično figuro, obkroženo z ustreznimi naravnimi predmeti ali izdelano iz človek.
Zaradi tega se je hitro razširil tudi na druge dele sveta: Nemčijo, Španijo in Francijo. Tihožitje Nemcev si je zavzelo, da natančneje sledi vzorom, s katerimi so začeli Nizozemci. Georg Flegel je bil eden od pionirjev slikarjev za to.
Nemec je ustvaril čisto tihožitje brez figur in inovativno kompozicijsko umestitev detajlnih predmetov v omare, omare in vitrine. Hkrati je ustvaril več stališč hkrati. V regiji Španije so tihožitja pridobila večji pomen še pred nekaj leti.
Toda njen izvor sega v to obdobje, le da je bila skozi zgodovino v kraljevih zbirkah slabo zastopana tihožitja, ki so jih naslikali umetniki španskega porekla. Posledično tudi malo zastopanja v prvih letih inavguracije Museo Nacional del Prado.
To je posledično prineslo tako odločilno pozabo, ki je pretehtala ta žanr v tej državi in na preostali celini vse do prihoda 1935. stoletja. Natančneje, prevrednotenje se je začelo leta XNUMX z razstavo v organizaciji Društva prijateljev umetnosti z naslovom "Vaze in tihožitja v španskem slikarstvu".
V njem izstopa predstavitev dela učenca slavnega Blasa de Prada Juana Sáncheza Cotána »Bodegón de hunting, zelenjava in sadje«. Priznanje se je nadaljevalo šest let pozneje, ko je "Bodegón de cacharros" Francisca de Zurbarana prispel v Prado z donacijami.
Privrženci diktatorja Francisca Franca so v tihožitjih Sáncheza Cotána in Zurbarana našli posebno spodbudo za esencialistično vizijo, ki so jo imeli do Španije, pri čemer so se goreče poglobili v obstoječe razlike v odnosu do nizozemskih ali flamskih tihožitij.
Poleg tega so frankisti vztrajali pri vplivu mistične narave tihožitja v njihovi državi in ga povezovali z mistično literaturo tistega, kar je znano kot zlata doba, in kaj bi želeli, da bi kolektivna in trajna identiteta španskega državljana biti.
Nasprotno pa je tematiko, ki jo je nacionalistična literatura razvijala z večjo konservativnostjo ob pogledu na majhno število tihožitij, prevzel velik del tujih znanstvenikov, ki kljub temu, da so bili zelo dobri, niso predstavljali celotnega tihožitja. izvajali na španskem ozemlju.
Primer tega je bila Sybille Ebert-Schifferer, ki je vztrajala pri preprostosti in razlikah, ki jih imajo Španci do Nizozemcev, in pojasnila, da tudi takrat, ko sta oba imela impliciten moralni namen, je varčevanje blizu španske opustošenosti zavračalo polnost, razkošje in čutne užitke Nizozemcev.
To ne velja za Petra Cherryja, saj je po nemškem umetnostnem zgodovinarju Augustu L. Mayerju znal precej ceniti bogato vsestranskost tihožitja, ki ga ponuja Španija. Njegova tihožitja so imela svoj poseben pridih, tako značilna in zanimiva.
Tako kot se je to zgodilo v Italiji in Franciji, so v Španiji pisci razprav s področja slikarstva, kot sta Antonio Palomino in Francisco Pacheco, to zvrst slikarstva poimenovali kot preprosto sekundarno zvrst, saj so upodobitve človeške figure postavili na vrh najvišja umetniška zastopanost.
Kljub temu so slikarski popisi, ki so bili običajno opravljeni za oporočne namene, pokazali, da so tihožitja zelo dobro zastopana v vsaki od slikovnih zbirk vseh družbenih skupin, ki so sestavljale narod.
Za sedemnajsto stoletje, mesto Toledo, daleč od sijaja, ki ga je nekoč poznalo v preteklosti, je Paula Revenga v več kot 200 popisih analizirala, da je od 13.000 slik, ki so bile tam narejene, 1.000 tihožitij, torej 7 %. Treba je opozoriti, da se je ta odstotek povečal v določenih družbenih skupinah, bolj v nižji duhovščini.
Zato so ga razmeroma izvajali nekateri priznani slikarji v drugih žanrih, kot sta Juan Sánchez Cotán in Blas de Prado, ki sta si ga v Španiji zamislila kot predhodnika. Omenili bi lahko tudi Matea Cereza, Francisca de Zurbarána in Antonia de Peredo, ki so gojili več vanitas.
Ta država je svetu dala pristne strokovnjake na tem področju: Antonio Ponce, Diego Velázquez, Francisco Barrera, Francisco de Burgos Mantilla, Ignacio Arias, Juan van der Hamen, Juan de Espinosa, Pedro de Camprobín, Pedro de Medina Valbuena, Tomás Yepes in tako naprej. Jasen primer je Juan Fernández el Labrador, čigar talent je dosegel britanski dvor.
Na splošno je v južni Evropi dajal prednost Caravaggiovemu naturalizmu pred izčrpnimi podrobnostmi, značilnimi za severno Evropo. V Franciji so se slikarji tihožitja res znašli pod vplivom severnih in južnih šol, pri čemer so si iz vsake izposodili nekaj značilnosti.
stoletje XVIII
S prihodom novega stoletja so bile verske in alegorične konotacije popolnoma opuščene. Prav tako so se tihožitja kuhinjskih miz razvila do točke, ko so postala upodobitve različnih barv in oblik ter tako zajemala vsakdanja živila.
Za razliko od preteklih obdobij so te vrste slik naročali umetniki za izvedbo razkošnih in ekstravagantnih slik tihožitja, ki so krasile mize francoske aristokracije. Pa tudi platna, ki niso imela moralističnega sporočila, kot so ga imeli nekoč nizozemski vanitas.
Rokoko čar umetnosti je dosegel svoj vrhunec v francoskem spoštovanju trompe l'oeil, v francoščini znane kot 'trompe l'oeil', "prevara oči". Jean Siméon Chardin, ki velja za enega najpomembnejših slikarjev svojega naroda v XNUMX. stoletju, je uporabljal nešteto tehnik, od nizozemskega realizma do mehkih harmonij.
V svojem revolucionarnem obdobju so umetniki v Združenih državah, ki so študirali v tujini, uporabljali evropski slog za portretiranje in tihožitje. To so storili tako, da so dodali druge elemente, kot so rože in ptice, ter delali na nostalgičnem slikarstvu in hiperrealizmu, prikazanem skozi vsakdanje predmete.
Naravoslovec Charles Willson Peale se je odločil ustanoviti družino pomembnih ameriških slikarjev, skupaj z združenjem za izobraževanje mladih umetnikov in muzejem naravnih zanimivosti. Raphaelle, njegov sin, je bil član ugledne skupine umetnikov tihožitja, ki so se ji pridružili John F. Francis, John Johnston in Charles Bird King.
XIX stoletje
S pojavom evropskih akademij, predvsem francoske akademije, ki je imela v akademski umetnosti transcendentalno vlogo, je tihožitje začelo izgubljati pomen in je šlo v ozadje. Akademije celotne celine so bile odgovorne za vzpostavitev hierarhije žanrov.
Ta hierarhija je ugotovila, da je umetniška vrednost dela v prvi vrsti v njegovi temi. Se pravi, glede na to, kar je izraženo v sistemu, je bila najvišja oblika slikanja tista, ki se je dotikala alegoričnih tem, zgodovine, religije ali mitologije, s čimer je tihožitje izrinilo na veliko nižjo stopničko v umetniškem prepoznavanju.
Namesto da bi uporabili tihožitje za upodobitev narave, se je nekaj umetnikov, kot sta Camille Corot in John Constable, odločilo, da jih povežejo s krajinskimi podobami, pri čemer so predvidevali gibanja, ki se bodo pojavila pozneje, kot je impresionizem.
Z debaklom neoklasicizma, okoli leta 1830, sta žanrsko slikarstvo in portret postala priljubljena žanra umetniških tokov romantike in realizma. Od njih so takratni zelo uveljavljeni umetniki na svoja platna vključili tihožitje.
Različna tihožitja Eugèna Delacroixa, Gustava Courbeta in Francisca Goye nosijo intenziven čustveni tok, v katerem jih manj skrbi natančnost tega, kar počnejo, in bolj zanima njihovo razpoloženje.
Čeprav so bile stvaritve Édouarda Maneta oblikovane po tihožitjih Jeana Siméona Chardina, so bile precej tonske, na način, ki je bil v veliki meri namenjen impresionizmu. Nadarjeni Henri Fantin-Latour je z bolj tradicionalnimi tehnikami postal zelo znan po svojih cvetličnih slikah, ki so jih zbirali številni kupci.
Že s končnim upadom akademske hierarhije po vsej Evropi in razcvetom neštetih impresionističnih in postimpresionističnih umetnikov sta tako tehnika kot barvna harmonija zmagali nad tematiko. Zato je tihožitje ponovno veljalo za različico na podlagi novih slikovnih tokov.
Claude Monet je že v svojih prvih tihožitjih pokazal nekaj navdiha v Fantin-Latourju, a je bil eden prvih, ki si je upal prekiniti tradicijo uporabe ozadij in jih nadomestiti z živimi in vpadljivimi barvami, da bi zagotovili večjo svetilnost. Pierre-Auguste Renoir je tudi inovativen s "Tihožitjem s šopkom in pahljačo" in njegovim briljantnim oranžnim ozadjem.
V impresionističnem tihožitju so bile vsebine religiozne in mitološke narave popolnoma odsotne, temveč se je poskušalo vnesti vrhunsko kromatsko harmonijo in svetlobno obdelavo. Zelo radovedno je bilo videti, kako so ti umetniki ustvarjali svoje impresivne stvaritve.
Čeprav so jih navdihnile barve, ki sestavljajo naravo, so svojo vizijo veličastno interpretirale, tako da so se njihove slike občasno zdele zaznamovane na nenaraven način. Kot je nekoč dejal Paul Gauguin, "barve imajo svoj pomen".
Druge poskuse spreminjanja tradicionalnih perspektiv je mogoče opaziti v delu Gustava Caillebotta "Sadje, razstavljeno na stojalu", sliki, ki je bila takrat zelo zasmehovana. Po drugi strani pa je bila ena tistih, ki je bila deležna velikega priznanja po vsem svetu, "Sončnice" Vincenta van Gogha.
Njen avtor je z različnimi odtenki rumene in oker izdelal ploščato predstavo, ki bo z leti postala pomemben prispevek k zgodovini žanra. To je bilo posledica dejstva, da so bili elementi vsakdanjega življenja ujeti na izviren način.
Van Gogh in njegovo "Tihožitje z risalno desko" (1889) je jasen primer portreta vsakdanjega življenja v tihožitjih, narisanih z osebnimi predmeti, ki vključujejo cevi, hrano, knjige, črke, brez njegove podobe. . Poleg tega je ustvaril tudi svojo različico vanitas z "Tihožitje s biblijo" (1885).
moderna in sodobna umetnost
XNUMX. in XNUMX. stoletje sta bila za umetnost zelo pomembna, saj je bilo v prvih letih njenega nastanka prostor za hiter razvoj različnih umetnosti. Vsaka od slikovnih zvrsti, vključno s tihožitjem, je nadaljevala svoj evolucijski proces, da je figurativno pustila daleč za sabo in končno dosegla tisto, čemur pravimo popolna abstrakcija.
Postopoma se začnejo dodajati elementi iz Japonske, ki delajo z večbarvnimi ozadji in na enak način raziskujejo več v abstraktnem konceptu z geometrijskimi figurami. To je res naredilo veliko razliko med sodobnim in ortodoksnim tihožitjem.
Drugi slikarji, ki so želeli zavrniti gibanje kubizma, so se odločili uporabiti tihožitje, vendar v treh dimenzijah, da bi se poskušali vrniti k konvencionalnemu. Poleg tega je bilo v nadrealistično slikarstvo vključenih nekaj predmetov, značilnih za tisto, kar pojmujemo kot tihožitje.
Kar zadeva latinskoameriško umetnost, so v njej raziskovali tudi tihožitje. Med njenimi predstavniki bi lahko omenili Mehičanko Frido Kahlo in druge sodobne umetnike, ki so se lotili dela nadrealizma, povezovanja živil in simbolov svoje kulture.
Kasneje, natančneje v 60. in 70. letih, se je pojavil pop art z Andyjem Warholom in Royem Lichtensteinom kot njegova največja zastopnika. Čeprav sta izstopala na svoj način, sta oba izdelala svoje individualne različice tihožitja z vsakdanjimi predmeti, sadnimi krožniki, vinskimi steklenicami in juhami v pločevinkah.
Na koncu je treba opozoriti, da je bilo z vdorom fotografije v sodobno in sodobno umetnost tradicionalno in preprosto tihožitje lahko le izpodrinjeno. Vendar to ni nujno pomenilo njenega popolnega izginotja, saj so se tudi številni umetniki posvetili temu prikazovanju realnosti.
Tihožitje je neprekinjeno in bo za vedno prisotno danes, saj so vloga svetlobe, občutek polne harmonije in tihe kromatike postali implicitni vidik v slikarski umetnosti, ne glede na to, katera je. zgodovinski trenutek in njegov ustvarjalec .
Če vam je bil ta članek všeč, ne zapustite brez prvega branja: