Vse do sredine prejšnjega stoletja si je bilo nepredstavljivo občudovati pločevinke v galeriji, zato je razstava inovativnega dela Campbellove pločevinke za juho umetnika pop arta Andyja Warhola je predstavljal zgodovinski dogodek v svetu umetnosti.
Campbellove pločevinke za juho
Leta 1962 je Andy Warhol ustvaril serijo Campbell's Soup Cans in jo predstavil na svoji prvi samostojni razstavi v galeriji Ferus v New Yorku. Skupno dvaintrideset ročno poslikanih jušnih pločevink z različnimi oznakami na platnu je dobilo mesto v središču pozornosti kot umetniška dela. Kar danes ni presenetljivo, a leta 1962 je bil pop art še v povojih.
Rastlina, kot jo poznamo danes, je bila pred devetinpetdesetimi leti videti nekoliko drugače. Za prvo javno razstavo 9. julija 1962 je bilo dvaintrideset slik razporejenih v vodoravno črto. En za drugim, tako kot bi bilo na polici supermarketa. Pop art je bil neustavljiv. Warhol je uvedel potrošniško blago v svet galerij, ne da bi spregledal ali umetniško prikril njihovo resnično tržno vrednost.
Njegova dela so ustrezala definiciji pop arta, opisani v pismu britanskega umetnika Richarda Hamiltona iz leta 1957: «Pop art je: priljubljena, minljiva, odveč, nizka cena, množično proizvedena, mlada, zabavna, seksi, polna trikov, glamurozna. in velik posel.
Andy Warhol je svoja dela primerno ustvaril v tovarni, svojem studiu, ki ga je poimenoval "Tovarna". In bil je stroj. Za Campbell's Soup Cans je uporabil proizvodno tehniko iz oglaševalske industrije, sitotisk. Industrijski motiv se reproducira in ponavlja v zaporednih motivih. Kot perfekcionist je za Andyja Warhola štela vsaka podrobnost, ničesar ni prepuščal naključju.
Če pogledamo od daleč, so Campbellove pločevinke za juho videti kot dvaintrideset enakih pločevink. Pravzaprav je vseh dvaindvajset ročno napisanih in unikatnih. Andy Warhol je paradižnikovi juhi dal drugačen okus, od govedine do juhe iz črnega fižola in čebule.
Pet let po tem, ko je poslikal Campbellove pločevinke za juho, je Warhol šel še korak dlje in jim dal barve: modro, zeleno, rumeno, vijolično. Črke in osnovne barve pločevink so postale nova harmonična serija. S temi devetnajstimi slikami je Warhol oblikoval svoj umetniški pečat, obnovil umetniške procese in predstavil zvezdo pop arta: polikromno serijo. Warhol je ročno poslikal serijo Campbell's Soup Cans. Uporabljal je serigrafijo, a tudi barvo. Igral se je s pravili umetnosti, da bi jih bolje izkoristil, a tudi bolje videl stvari.
Warhol je nekoč rekel: "Vse stvari imajo svojo lepoto, vendar jih vsi ne znajo prepoznati." Andy Warhol je bil o sebi nekakšen pesnik. Pločevinka lahko postane vaza s cvetjem, logotip blagovne znamke lahko skrbno in nežno naslikamo s čopičem. In pločevinka juhe iz množične industrije lahko postane umetniška ikona: ikona pop arta.
Campbellova juha: kraljevska blagovna znamka
Warhol je trdil, da je bil redni potrošnik Campbellove juhe: dvajset let vsak dan za kosilo. Ponavljanje ga ni odvrnilo, iskal je " vedno znova isto ". Potrošnja je bila in je srce ameriške družbe, toda industrijskim blagom množic je bil takrat še vedno onemogočen dostop do muzejev. In prav to je želel Warhol: v umetnost uvesti pravo množično porabo.
Za odraz sveta okoli sebe je uporabil fotografije iz oglaševanja, slavnih osebnosti in stripov. Trenutni slogan blagovne znamke Campbell's Soup velja tudi za pop art: "Made for real life." Andy Warhol je v intervjuju za revijo The Face nekoč dejal, da je njegova mati uporabljala pločevinke kot vaze za šopke. Zato se zdi razumno misliti, da se tudi njegova serija del s pločevinkami pokloni temu spominu na njegovo otroštvo.
Andrew Warhola je bil najmlajši sin staršev, ki so se v ZDA priselili iz severovzhodne Slovaške. Ustvarjalnega že od malih nog so ga starši kljub pomanjkanju finančnih sredstev podpirali po svojih najboljših močeh. Pločevinka je lahko utelešenje vsakdanjega predmeta za enkratno uporabo za eno osebo in vaza za drugega.
POP umetnost
Pop art (Pop art) je priljubljena in cenovno dostopna umetnost. Večini je razumljivo, enostavno ga je prepoznati in razložiti. Je umetniška smer, ki temelji na predmetih množične kulture in je usmerjena v zabavo, v trgovino in ne v iskanje globokega smisla, filozofije in duhovnosti.
To je eno najpomembnejših umetniških gibanj 1950. stoletja. Pop art je nastal v Združenem kraljestvu in ZDA v XNUMX. letih XNUMX. stoletja Pop art se je rodil kot reakcija na povsem drugo smer moderne umetnosti – abstraktni ekspresionizem.
Če želite razumeti, kaj je pop art, morate začeti iz druge smeri v umetnosti - abstraktnega ekspresionizma. V njej umetnik osvobaja um zakonov logike in na platnu izraža svoj notranji svet, kot sta "vidi" in "čuti". Toda v resnici je še bolj zapleteno. Isti problem se je pojavil v 50. letih XNUMX. stoletja, kljub ogromni priljubljenosti niso vsi razumeli dela abstraktnih ekspresionističnih umetnikov. Da bi jih človek cenil po njihovi pravi vrednosti, mora biti že podkovan v umetnosti.
Zaradi česar je ta umetniška smer postala dostopna ne vsem, ampak eliti. Pop art je postal nekakšna reakcija, nasprotovanje abstraktnemu ekspresionizmu. Njegov moto je bila ideja: vrnitev v realnost, ne v fantazijo umetnika. Vir navdiha je bilo oglaševanje, revije, embalaža hrane, fotografija, televizija, idoli, stereotipi, filmi, supermarketi, stripi, na splošno vse, kar se dogaja v vsakdanjem življenju najbolj navadnih ljudi.
Prvi koraki novega slikarskega sloga so bili povezani z delovanjem Neodvisne skupine umetnikov in arhitektov, ustanovljene leta 1952 v Londonu. Prvi so s sodobnimi tehnologijami ustvarili slike z glavnimi motivi popularne urbane in množične kulture. Ameriška kultura je postala osnova študije.
Pionirja sloga E. Paolozzi in R. Hamilton sta preučevala psihološke vplive množične kulture, njen pomen, jezikovno vsebino. Najprej so me zanimale metode industrijskega oglaševanja, sodobne tehnologije za izdelavo oglaševanja, tehnika ustvarjanja kolažev.
Leta 1956 je bila razstava "To je jutri". Slikarji so javnosti predstavili podobe v slogu pop arta, ki prikazujejo hollywoodske zvezde, okvirje iz znanih filmov s povečavo. Po razstavi so se v tok pridružili številni maturanti umetniških šol, ki jih je novi slog navdihnil.
V Združenih državah se je slog razvil in postal priljubljen. Tu je bilo veliko pozornosti namenjene estetizaciji banalnega: embalaže, potrošniškega blaga. Bistvo ameriškega pop arta: predmeti, ki jih ljudje uživajo, izenačijo predstavnike različnih družbenih slojev med seboj. Tako je pop art umetnost družbene enakosti.
V Angliji je gibanje pop art izviralo iz angleškega umetnostnega kritika Lawrencea Allowaya, ki je prvi uporabil izraz "množična popularna umetnost" v poznih petdesetih letih prejšnjega stoletja. Bili so člani skupine The Independent Group: Eduardo Paolozzi, Richard Hamilton, Alison in Peter Smithson ter Lawrence Alloway. Vendar naj bi bilo prvo delo Richarda Hamiltona leta 1950.
V Združenih državah pa je ta struja nastala iz posameznih ljudi, ki so delali sami in niso bili zastopani kot člani nobene skupine. Najbolj znani umetniki so Robert Rauschenberg, Claes Oldenburg, Roy Lichtenstein in Andy Warhol. Nenavadno je dejstvo, da se je obdobje razvijalo neodvisno drug od drugega v Združenih državah in Angliji.
Igra
Gre za jušne pločevinke Campbella, ki jih je Andy Warhol ustvaril za svojo prvo razstavo v Galeriji Ferus v Los Angelesu leta 1962. S tem delom se avtor loteva fenomena zamenljivosti, saj je »individualnost posameznika s potrošniško družbo 1960. let prejšnjega stoletja v Ameriki bledi."
Slika je sestavljena iz dvaintridesetih platna. Pri ustvarjanju je bila uporabljena tehnika tiska. Zanimivo je, da podjetje Campbell Soup Company (CBS) obstaja še danes (ustanovljeno leta 1869) in ilustracije prikazujejo, katere vrste juh je podjetje takrat prodajalo. Pločevinke se ne razlikujejo le po imenu posameznih juh, temveč tudi po delu rdeče etikete, kjer je prisotna barva, ki ni rdeča. Celotna sestava je sestavljena iz dvaintridesetih pravokotnikov, torej nalepke so glavni predmet posode.
Lahko rečemo, da so vse pločevinke videti enako in ustvarjajo občutek poenotenja, razlog za to je, da imajo pločevinke enako strukturo in jih lahko predstavljajo monotoni prostori kot na polici supermarketa. Pločevinke so razdeljene na dva dela. V rdečem delu sta izpisani dve besedi, ime podjetja in beseda zgoščeno.
Po drugi strani pa v belem delu lahko vidite posamezne vrste juh, ki so napisane z rdečo. Beseda 'juha' je še posebej okrašena s temnejšo črto na sredini črk, dno škatle pa je okrašeno tudi z zlato obrobo in rdečo črto. Na sliki je močan kontrast rdeče in bele. Tukaj preprosto ni prehoda iz svetlo rdeče v rdečo. V pločevinki ima rdeča barva veliko pomembnejšo vlogo kot bela barva.
Če bi pločevinka le belo pobarvana, ne bi bila zanimiva in ne bi vpadla v oči. Mogoče potem ne bi spadal v pop art.Tu sta tudi dve barvni harmoniji, ena je sestavljena iz rdečega in zlatega tona (simbol na sredini), druga pa iz bele, zlate in črne barve. Slika je prav tako narisana v tako imenovanem stripovskem slogu in nima premika. Tako ima celotna podoba skoraj realistično obliko slike (zaradi sloga stripa) in prostor slike.
Rdeča barva pomeni, da na gledalca deluje toplo, energično in igrivo. Nasprotno pa črno-bele ne štejemo med barve, ker ne vplivata na nas in sta nevtralna. Tudi zlato ima topel značaj in čeprav pločevinka vsebuje belo glino (prozorna polovica posode), se nagibamo k uvrščanju v okolje tople barve.
Danes ni natančno jasno, zakaj se je Warhol odločil za Campbellove jušne pločevinke, lahko pa rečemo, da je pločevinke izbral iz več razlogov. Lahko bi bilo, da je Warhol potreboval novo temo, potem ko je zapustil strip. Drugi razlog je izhajal iz priporočila Roberte Latow. Rekla je, da bi moral Andy poleg slik ameriških bankovcev narisati še nekaj preprostega. Znano je tudi, da je imel Warhol rad juhe in da je skledo potegnil, ker mu je bila pri srcu. Izbira kaže, da poznate te juhe.
In zakaj Campbellove juhe sodijo v obdobje pop arta? Izhajati moramo iz definicije, se pravi, da je pop art umetniško gibanje v slikarstvu, ki se je začelo sredi petdesetih let XNUMX. stoletja, je nastalo v Angliji in ZDA, katerega motivi so vzeti iz vsakdanje kulture, sveta. potrošnje in oglaševanja, to delo ustreza temu toku, ker prikazuje takratno ameriško potrošniško družbo.
Prva serija pločevink je bila izdelana leta 1962. Leta 1969 je Andy razvil še eno serijo desetih slik (skupaj je bilo 250 izvodov druge serije), vendar so bile videti nekoliko drugače. Glavna ideja je bila ohranjena, rdeča in bela, pa tudi v rumenem na sredini slike in kontrasti postajajo še močnejši, na primer skozi obris med rumeno in črno ali skozi ljudi. Druga serija močno nasprotuje nepravilnosti in neenakomernosti prve serije. Te pločevinke so že pokazale svoj razvoj na področju oglaševanja.
Prva razstava
Campbell's Soup Cans je bila prva pomembna samostojna razstava Andyja Warhola, ki je dramatično spremenila njegovo kariero. Zgodilo se je leta 1962 v galeriji Ferus v Los Angelesu v Kaliforniji. Warhol je takrat delal kot ilustrator za modne revije. Imel je več razstav v newyorški galeriji in nekoč je o njem pisal celo revijo Life, vendar je Warhol na splošno ostal malo znan umetnik.
Nekoč je celo poskušal eno od svojih del podariti ameriškemu muzeju The MoMA, a so mu ga vrnili. Direktor galerije Ferrus Irwin Blum je predstavo ponudil malo znanemu Warholu, potem ko je leta 1961 prvič videl šest platna.
Blum je prišel k Warholu na predlog Ivana Karpa, namestnika direktorja slavne newyorške galerije Leo Castelli in enega najzgodnejših in najbolj predanih podpornikov pop arta, v upanju, da bo videl Warholove slike, kot so stripi Roya Lichtensteina iz galerije Castelli. Toda po obisku Warholovega stanovanja na aveniji Lexington, ki je bilo uporabljeno tudi kot atelje, je bilo odločeno, da predstavimo razstavo z naslovom "Soup Cans 32", sestavljeno iz dvaintridesetih slik velikosti 182 x 132 cm, ki prikazujejo pločevinke juhe. Campbell.
»...Šel sem po hodniku,« je kasneje povedal Blum, »in sem na tleh, naslonjen na steno, videl slike pločevink juhe. Rekel sem: "Andy, kaj je to?" Rekel je: "Oh, zdaj to počnem." In sem rekel: "Zakaj več kot ena?" Rekel je: "Naredil bom dvaintrideset." Preprosto nisem mogel verjeti. Rekel sem: "Zakaj dvaintrideset?" Rekel je: "Vseh je dvaintrideset sort."
New York je v tistih letih veljal za središče razstavnega življenja, Warholu pa se je zdelo zanimivo razstavo v Los Angelesu, saj morda vedo za to hollywoodske filmske zvezde, ki so umetnika vedno posebej zanimale.
Warholovo preoblikovanje predmeta v blago je bilo ravno nasprotno od preoblikovanja dejanskega blaga v predmete v Duchampovem readymadeu. Slike so bile razporejene po belih stenah galerije na policah, razporejenih kot v pravem supermarketu. Razstava je bila nedvomno radikalna, mnogi so se celo spraševali, ali to lahko štejemo za umetnost.
Predstava ni povzročila razburjenja, ki sta ga pričakovala Blum in Warhol. Pravzaprav je bilo tisto malo odziva javnosti ali umetnostnih zgodovinarjev precej ostro. "Ta mladi 'umetnik' je bodisi norec ali trmast šarlatan," je zapisal eden od recenzentov.
Risanka v Los Angeles Timesu se norčuje iz slik in njihovega predvidenega občinstva. "Odkrito povedano, špargljeva krema mi ne gre," pravi eden ljubitelj umetnosti drugemu, ko stoji v galeriji. "Toda grozno bogastvo piščančjih rezancev mi daje pristen občutek za zen." Še bolj oster je bil trgovec z umetninami ob Galeriji Ferus. V oknu je pustil prave pločevinke Campbellove juhe, skupaj z napisom: »Ne bodi zaveden. Pridobite original. Naša najnižja cena je dva za triintrideset centov."
Kljub vsemu je Blumu uspelo prodati pet slik, večinoma prijateljem, med drugim igralcu Dennisu Hopperju. A še preden se je oddaja končala, si je nenadoma premislil. Ko je spoznal, da so slike primernejše v kompletu, je Blum kupil tiste, ki jih je prodal. Strinjal se je, da bo Warholu plačal 1,000 $ za vse. Warhol je bil navdušen, o Campbellovih pločevinkah za juho je vedno razmišljal kot o kompletu. Tako za umetnika kot za trgovca je bila ta odločitev zapleteno dejanje, ki se je v prihodnosti obrestovalo.
Ko so občinstvo in kritiki preboleli šok, so začeli zoreti v Warholovih pločevinkah Campbellove juhe. Najprej je bila to nova ideja v umetnosti. Kako težko je razumeti sliko, če je original verjetno na kuhinjski polici? Kritiki so v Warholovih "portretih" Scotch Broth in Chicken Gumbo začeli opažati zvit in zvit humor. In Blumova odločitev, da slike obdrži skupaj, je povečala njihov vpliv.
Razstava v Galeriji Ferus je pomenila prelomnico v Warholovi karieri. Po Campbellovih pločevinkah za juho je Warhol prešel z risbe na sitotiskanje, postopek, ki je prinesel več rezultatov in mu omogočil ustvarjanje več različic istega dela. Njegov ugled je še naprej rasel. Do leta 1964 se je prodajna cena slike jušne pločevinke, ki manjka v Blumovem naboru, dvignila na 1.500 dolarjev, newyorški družabniki pa so uporabljali pločevinke za juho za tiskanje na obleke, ki jih je izdelal umetnik, Warhol sam.
Zabavi se je kmalu pridružila tudi Campbell's Soups. V poznih šestdesetih letih prejšnjega stoletja je podjetje izkoristilo takrat priljubljeno muhavost oblek z obleko Souper in majhno torbico, prekrito z etiketami za juhe v slogu Warhola. Vsaka obleka je imela na dnu tri zlate črte, tako da je lahko uporabnik obleko odrezal na popolno dolžino, ne da bi odrezal vzorec s pločevine. Cena: en dolar in dve nalepki Campbell's Soup.
Danes Warholove jušne pločevinke ostajajo ikona pop kulture, od krožnikov in skodelic do kravatov, majic, desk za surfanje in rolk. Ena najbolj šokantnih fotografij je bila fotografija samega Warhola: na naslovnici revije Esquire maja 1969 se je utapljal v pločevinki Campbellove paradižnikove juhe.
Na koncu je Warholove pločevinke Muzej moderne umetnosti prepoznal kot vredne, da se imenujejo umetnost. Leta 1996 je muzej kupil dvaintrideset slik Irvinga Bluma za 1962 milijonov dolarjev, kar je osupljiv donos za njegovo naložbo v višini 1995 dolarjev iz leta XNUMX. Tudi obleka Souper je bila razglašena za klasično. Leta XNUMX, leto preden naj bi slike prispele v Muzej moderne umetnosti, so prišle v zbirko Metropolitanskega muzeja umetnosti.
Razstava Campbell's Soup Cans je postala pomemben mejnik v razvoju pop arta in karieri Andyja Warhola, ki je še naprej delal v tem žanru, nadaljeval s produkcijo sitotisk s portreti filmskih zvezd in časopisnimi izrezki. , nato pa na Manhattnu bo odprl svojo znamenito Tovarno.
Blum se bo specializiral za pop art in bo sodeloval z drugimi znanimi pop umetniki, kot sta Roy Lichtenstein in Frank Stella. Pop art, za katerega so značilne preprostost, dostopnost in lakonične podobe, ki ga posnemajo predmeti množične kulture in potrošništva, bo postal eden od simbolov ameriške umetnosti.
Umetnik
Andy Warhol (1928-1987) je bil ameriški umetnik, eden glavnih predstavnikov pop umetnosti v tej državi. V tovarni, ki jo je ustanovil, so mu zaposleni in prijatelji pomagali pri produkciji njegove umetnosti. Uspeh Andyja Warhola, ki se je od zgodnjih šestdesetih let prejšnjega stoletja ukvarjal z medijskimi podobami superzvezdnikov, je pripeljal zbiratelje in plemenitost denarja, da so se mu dali interpretirati.
Snemal je tudi eksperimentalne filme, ustanovil revijo Interview in bil glasbeni producent za rock skupino Velvet Underground. Ko je Andy Warhol umrl pri oseminpetdesetih letih, je za seboj pustil obsežno delo, ki sega od preprostih oglaševalskih grafik do slik, predmetov, filmov in knjig.
Od komercialnega umetnika do galerijskega umetnika
V petdesetih letih prejšnjega stoletja se je izšolal za komercialnega in zelo uspešnega umetnika, leta 1950 pa se je preusmeril na likovno umetnost in se sprva ukvarjal z emblemi medijske in potrošniške družbe. Razvil in ustvaril oglase za Vogue, Glamour, Harper's Bazaar in LIFE. Ilustriral je kratke zgodbe za Trumana Capoteja. Ta zgodnja dela je že v letih 1960/1952 razstavljal na svoji prvi galerijski razstavi in leta 53 pri sodelovanju na razstavah v Muzeju moderne umetnosti. Warhol je začel zbirati umetnine med potovanjem po Evropi in Aziji leta 1956.
Leta 1960 se je Andy Warhol obrnil na slikarstvo in delal na slikah, kot sta sobotni Popeye in Superman. Vendar pa je odkril, da je Roy Lichtenstein s temi motivi že prevladoval na galerijskem trgu. Naslednje leto se je Andy Warhol vrnil v potrošniški svet in za svoj prvi motiv izbral pločevinko Del Monte s polovicami breskev. Od decembra 1961 je delal na znameniti seriji Campbellove pločevinke za juho, dvaintrideset ponovitvi sprednje predstavitve pločevinke za juho z različnimi okusi, kot namiguje oznaka.
Warhol je navedel oglaševanje potrošniškega blaga, ki ga je pred tem pomagal oblikovati s svojimi obetavnimi podobami. S pomočjo projektorja je znal povečati reklamne teme in jih prostoročno reproducirati; serijsko izdelana dela so bila narejena s predlogami. Hkrati je izdeloval skulpture iz kartona in lesa. Skupaj z Royem Lichtensteinom se je odzval na predvidljivi konec abstraktnega ekspresionizma, ki se je začel s tragično smrtjo Jacksona Pollocka leta 1956.
Potem ko je Andy Warhol postal uspešen kot slikar in umetnik galerije pop umetnosti, je svojo oglaševalsko umetnost iz 1940. in 1950. let prejšnjega stoletja skril na zelo nevrotičen način. Kot svobodno priznava o POPizmu, je moški v srednjih tridesetih zavestno poskušal ustvariti novo identiteto za novo kariero. Warhol je menil, da je trg umetniških galerij preprosto bolj eleganten kot trg komercialnih umetnikov. Za to je pomešal »komercialno umetnost« (oglaševalno grafiko) s »pravo umetnostjo« in obratno.
Zgodnje razstave v Los Angelesu (1962), Parizu z Ileano Sonnabend (1964) in leta 1965 njegova prva muzejska razstava na Inštitutu za sodobno umetnost v Philadelphiji so Warholu utrdili slavo kot slikarja. Istega leta 1965 je prenehal slikati in se v celoti posvetil sitotisku, fotografiji in filmskim medijem.
Andy Warhol je dosegel izjemen uspeh v zgodnjih šestdesetih letih prejšnjega stoletja, ko se je zavzel za medijske podobe filmskih zvezd in pop ikon, kot so Marilyn Monroe, Elvis Presley in Liz Taylor. Z idejo, da bi bilo deset fotografij teh osebnosti več kot ena, je Warhol fotografije reproduciral s pomočjo sitotiska.
Pop barve poudarijo, popačijo in odtujijo portrete hkrati. Warhol je z nedvoumno stilizacijo svojih portretov uspel nase prenesti kult zvezd okoli filmskih igralcev, žena politikov in rock glasbenikov. To ji je omogočilo ne samo, da je kot umetnica prestopila družbene meje, ampak tudi postala pop zvezda.
Temno plat ameriških sanj je našel v podobah avtomobilskih nesreč (»Death and Disaster Series«) in električnega stola (»Electric Chair«). Andy Warhol je s sitotiskom, ki je veljal za reprodukcijskega in zato neumetniškega, in z akrilnimi barvami ustvaril kompozicije, za katere je kot predloge uporabljal tiskovne fotografije tragičnih nesreč ali letalskih nesreč in podobno.
Naslikal je platna, preden jih je serigrafiral iz fotografij. Dodatna barva poudari posamezne dele upodobitve. Andyja Warhola je zanimala tudi reprodukcija in spreminjanje odtisov, ki bi jih lahko zaposleni izdelali brez njegove vpletenosti.
Motivacija Andyja Warhola
Tako Ukrajina kot Slovaška imata že vrsto let pravico, da Warhola imenujeta svoj: umetnikova starša, Ondrej in Julia Justin Warhol, sta emigrirala v tujino iz vasi Mikova na Prešovskem območju današnje Slovaške (do 1918 – Avstrija). -Madžarska). Po narodnosti so bili Rusini, etnična manjšina, ki v sodobni Ukrajini velja za del naslovnega naroda.
Vendar so ti spori seveda neutemeljeni: Warhol je bil vzor, stoodstotni Američan, in prav ZDA bi morale veljati za njegovo domovino. Razen v svoji religioznosti, ki je bila v življenju skrbno skrita, je umetnik ostal zvest svojim koreninam: od otroštva je bil v naročju grško-katoliške cerkve bizantinskega obreda.
Kot je malokdo vedel, je vneto obiskoval mašo v katedrali sv. Vincenta Ferrerja na Manhattnu (po opatovih spominih je najprej opazil čudnega župljana, ki se je krstil v pravoslavnem slogu, šele nato je opazil, kdo je). Po besedah sorodnikov umetnika je bil še posebej ponosen, da je financiral nečakov študij v semenišču.
In v Warholovih lastnih delih umetnostni kritiki ne vidijo le materialne, ampak tudi duhovne komponente. Ugledni raziskovalec sodobne umetnosti, kritik in teolog James Romain je zapisal:
»Na prvi pogled se zdi, da Warholove potrošniške podobe zaseda le zunanji svet sodobne kulture, do popolne izključitve notranjega življenja vere. Prisotno pa je tudi žgoče hrepenenje po nečem več, žeja, ki je še posebej očitna v najnovejšem "Autoportretu" in v znamenitih Campbellovih jušnih pločevinkah.
Da bi videli to religiozno komponento, moramo znova odkriti smisel za sveto, uporabiti materialne stvari kot poti proti božanskemu, k prodoru večnosti skozi čas in prostor.
Ta pogled se morda zdi paradoksalen in celo šokanten, vendar Romain ponuja prepričljive dokaze. Razvpite Campbellove jušne pločevinke (eden od Warholovih prevladujočih motivov: ustvaril je več različic svojega slavnega dela iz leta 1962) vidi kot umetnikov avtoportret:
»Police, kot Warholova javna podoba, so hladne, kovinski stroj, neprebojni.
Toda avtoportret dopolnjuje njegova vsebina; Pravzaprav je najpomembnejši del pločevinke za juho, vendar nima veliko opraviti s tem, kako je pločevinka videti. Juha, topel vir hranil, je občutljiva snov, ki brez zaščitne embalaže ne bo preživela. Podobno je Warholova vera skrita pod podobami supermarketa.
Omeniti velja, da je bilo eno od zadnjih Warholovih del tesno povezano z verskimi tematikami: serija serigrafov, ki temeljijo na Zadnji večerji Leonarda da Vincija. Vendar je tukaj umetnik pokazal drugačen pogled na obstoj sakralne umetnosti v posvetnem in profanem svetu, pri čemer je da Vincijevo kompozicijo, ponovljeno v milijonih fotografij in reprodukcij, dopolnil z reklamnimi logotipi znanih blagovnih znamk. Kot ugotavlja Claudia Schmückly, kustosinja prve razstave v seriji v Združenih državah:
»To navidez heretično nespoštovanje odraža neizogibno preoblikovanje globoko religioznega dela v kliše, katerega duhovno sporočilo je zadušilo neskončno ponavljanje. Kot Warholova zadnja epizoda Zadnja večerja služi kot močan opomnik na načela, ki so prežela vsa njegova umetniška prizadevanja."
Opazimo lahko, da maniro Warhola, portretista, ki je maniakalno odstranil vse kožne napake in gube s svojim modelom, ne razlaga le želja po njihovem »polepšanju«, ampak tudi želja po absolutnem, po podoba idealne osebe, ki je s sebe oprala vse grehe (ne izključuje in imanentnega prvorojenca).
V tej luči postane bolj jasen znameniti rek o »petnajst minut slave za vse«: slava daje vsaj iluzijo nesmrtnosti; za Warhola je to po mnenju nekaterih raziskovalcev simboliziralo preobrazbo navadnega človeka na ulici v bitje, ki se približuje božanskemu redu.
Warhol se je morda delno povezal s Kristusom, ne v očitno heretičnem mesijanskem kontekstu za dobrega kristjana, ampak v smislu, v katerem je slavni teolog Richard Niebuhr v svoji knjigi Kristus in kultura (1951) primerjal delo mistika umetnik, ki »presubljuje kulturo«, z zakramentom evharistije, ko se navaden kruh in vino spremenita v sveta darova.
In celo trik, ki ga skoraj vsi poznajo po zaslugi filma Oliver Stone z zlatim telefonom za pogovor z Bogom, ki ga je predstavil Jim Morrison, je mogoče videti zunaj cinične embalaže. Po eni strani služi zlati telefon kot simbol moči in bogastva; Ni presenetljivo, da so latinskoameriški diktatorji ljubili te naprave.
Po drugi strani pa so prvi znani telefon iz zlata ameriški katoličani podarili papežu Piju XI. leta 1930 (napravo so uporabljali rimski škofje do konca papeževanja Janeza XXIII. leta 1963). Warholovo darilo je torej mogoče razložiti na različne načine (mimogrede, po besedah Morrisonovega biografa Stephena Davisa je imel telefon samo zlato številčnico, spet polje za interpretacijo).
Vendar Warhol sam ni rad dajal razlag: ta poklic je prepustil kritikom, umetnostnim zgodovinarjem, filozofom in širši javnosti, ki so voljno govorili o njegovih delih in o njegovih ekstravagantnih oblekah, prijateljih, napol legendarnih dogodivščinah. Kot poudarjajo skoraj vsi Warholovi biografi, ga seks, droge ali celo denar pravzaprav skoraj niso zanimali: hrepen je po slavi. In popolnoma mu je uspelo.
Biografija Andyja Warhola
Andy Warhol se je rodil 6. avgusta 1928, sinu Andreja Varhole (1888-1942) in Julije Justyne v Pittsburghu v Pensilvaniji, v rusinskem grškem jeziku pa je dobil ime Andrew Warhola, krščen kot katolik. Družina je imela ruske korenine in je izhajala iz vasi Miková v Karpatih, na severovzhodu današnje Slovaške (takrat: Kraljevina Madžarska), živela je v slabih razmerah. Andy je imel dva starejša brata: Paula in Johna. Ker se mama Andyja Warhola dolgo časa ni hotela učiti angleščine, se je Andy jezika naučil le v šoli.
1932/33 Oče Andyja Warhola, Andrej, se je preživljal kot montažer v gradbenem podjetju. Redko je bil doma in vsi so ga pogrešali. Ker sijajnega Andyja ni bilo mogoče ukrotiti, se je družina odločila, da ga pri štirih letih vpiše v šolo. Ker pa se je v noč na prvi šolski dan vrnila objokana, je šla v šolo šele pri šestih letih.
1934-1936: osnovna šola Z večjim dohodkom Andreja Warhole je lahko dobil posojilo in svojo družino preselil na Dawson Street v Oaklandu. Andy je začel drugi razred v osnovni šoli Holmes, saj se je njegov edini dan v osnovni šoli Soho štel za celo leto.
1936 Osemletni Andy Warhol je v šoli pogosto trpel zaradi krčev, ki so mu onemogočili pisanje, sošolci pa so ga zasmehovali. Zdravnik je zavrnil Huntingtonovo korejo (popularno znano kot ples sv. Vida) in redko motnjo pigmentacije, zaradi katere so dolgo mislili, da je albino.
Ker je bil dolgo prikovan na posteljo, se je Warhol raje odločil za stripe in filme. Poleg tega njegova tesna vzgoja z mamo sega v to izkušnjo. Po okrevanju je skoraj vsako sobotno jutro preživel v kinu. Shirley Temple je postala njen idol in vzornica.
1937-1940: Andyjev učitelj likovne umetnosti na osnovni šoli Holmes je leta 1937 predlagal, da se udeleži prestižnega brezplačnega tečaja umetnosti v Carnegiejevem muzeju ob sobotah zjutraj. Andy je redno obiskoval brezplačne sobotne ure do leta 1941. Razdelil se je v skupino mlajših študentov. Njegovi učitelji, zlasti Joseph Fitzpatrick, so nanj izvedli prve pomembne umetniške vplive. Andy Warhol je preskočil peti razred.
1942 Smrt očeta po več letih hude bolezni zaradi tuberkuloze. Izguba je močno prizadela štirinajstletnega Andyja Warhola; ko so iz bolnišnice prinesli očetovo truplo, se je skrival pod posteljo. Po rusinski tradiciji je Ondrej Warhola ostal tri dni v svoji hiši, kar bi lahko sprožilo Warholovo kasnejše soočenje s temo smrti. Finančno stanje družine je vse slabše, njegova dva starejša brata pa sta redko doma.
1945-1949: Poslovna grafika (slikarsko oblikovanje) na tehnološkem inštitutu Carnegie v Pittsburghu. Andy Warhol je diplomiral iz enajstega razreda srednje šole Schenley. Letopis pod njegovim imenom se glasi: »Pristen kot prstni odtis.« Jeseni je začel študirati na Carnegie Institute of Technology (danes: Carnegie Mellon University), oddelek za slikarstvo in oblikovanje.
1945 Andy Warhol je študiral komercialno umetnost na Carnegie Institute of Technology (danes: Univerza Carnegie Mellon) v Pittsburghu, natančneje slikovno oblikovanje, umetnostno zgodovino, sociologijo in psihologijo. Andyjevo zanimanje za učenje Bauhausa je bilo vznemirjeno. Poučeval je risanje in delal med odmori v semestru, tako kot v naslednjih letih, v veleblagovnici Joseph Horne v Pittsburghu. Spoznal je Philipa Pearlsteina.
1947 V tretjem letniku je Andy Warhol prejel nagrado Johna L. Porterja za napredek za risbe, ki jih je naredil prejšnje leto, medtem ko sta z bratom prodajala sadje iz kombija. Poleti je s sošolci najel hlev, ki sta ga uporabljala za študij.
1948 Andy Warhol je jeseni začel zadnje leto na inštitutu Carnegie. Delal je kot urednik slik za študentsko revijo Cano. V svojih prispevkih je že uporabljal »zabrisano črto«, improvizirano monotipsko tehniko, ki bo postala njegov prepoznavni znak kot komercialnega umetnika.
1949 Andy Warhol je na letni razstavi Associated Artists of Pittsburgh pokazal "The wide give me my face". Žirija je kontroverzno razpravljala in zavrnila sliko. George Grosz, eden od članov žirije, je pohvalil delo, ki je bilo na koncu prikazano in priznano na drugi domači razstavi. 16. junija 1949 je Andy Warhol diplomiral iz likovne umetnosti.
Skupaj s sošolcem Philipom Pearlsteinom se je preselil v New York, da bi delal kot komercialni umetnik. Oba sta si delila stanovanje na Markovem trgu. Septembra so se preselili v staro tovarno na ulici 21. Od takrat se je imenoval Andy Warhol. Velik del njegovega zgodnjega oblikovanja se je nanašal na čevlje med delom v tovarni čevljev.
Andy je šel do umetniških direktorjev večjih revij in jim ponudil službo. Revija Glamour mu je dala prvo naročilo: oblikoval je ilustratorje za članek "Success is a job in New York." Sledile so številne druge naročilnice, med drugim za Vogue, Seventeen in Harper's Bazaar.
1950 Revija Mademoiselle je objavila risbe, ki jih je podpisal Andy Warhol. Njegovo umetniško ime se je uveljavilo okoli leta 1942, ko so ljudje okoli njega pozabili na "a". Umetnik se je pozneje spominjal, da je šlo tako rekoč za »naraven« proces (in ne za zavestno odmikanje od korenin).
1952 Prva samostojna razstava v galeriji Hugo v New Yorku (16. junij – 3. julij), kjer je predstavil svoje ilustracije za knjige Trumana Capoteja: “Andy Warhol – Petnajst risb na podlagi spisov Trumana Capoteja”. Direktorja galerije Aleksandra Iolasa je spoznal že leta 1945. Za oblikovanje več časopisnih oglasov je prejel medaljo "Kluba umetniških direktorjev".
1954 Warhol je za svoje komercialno delo prejel "Certifikat odličnosti" Ameriškega inštituta za grafično umetnost. Warhol je skupaj s Charlesom Lisanbyjem, ki je napisal besedilo, izdal knjigo "25 Cats Name [sic] Sam and One Blue Pussy" kot darilo. Srečal se je s prijatelji na "Serendipityju", da bi barval liste. Oktobra je Galerija Loft organizirala razstave »Nova galerija predstavlja nove slikarje«
1956 Andy Warhol je prejel nagrado Art Directors Club 'Distinctive Merit Award' za oglaševanje čevljev za I. Millerja.
Galerija Bodley je pokazala risbo Andyja Warhola za knjigo dečka. 16. junija se je grafik in prijatelj Charles Lisanby podal na obsežno svetovno turnejo po Evropi in Aziji, med katero je začel zbirati. V New York se je vrnil 12. avgusta. Prvo sodelovanje na razstavi “Recent Drawings USA” v Muzeju moderne umetnosti, vendar kot grafik in še ne kot slikar ali samostojni umetnik.
1957 Warhol je bil eden najbolj znanih in najbolje plačanih ameriških komercialnih grafičnih umetnikov. Prejel je medaljo in posebno priznanje Kluba umetniških direktorjev za časopisno oglaševalsko grafiko.
Nato je ustanovil "Andy Warhol Enterprises, Inc." V »Zlati knjigi« je objavil risbe »izbrisanih črt« na zlatem papirju. Razstava v galeriji Bodley "Razstava zlatih slik Andyja Warhola". Revija Life Magazine je do tega zapisala posmehljivo kritično. Plastična operacija na nosu.
1960 Preko Tine Fredericks je Andy Warhol spoznal Emileja de Antonija, ki je bil tudi prijatelj z Jasperjem Johnsom in Robertom Rauschenbergom. Andy Warhol je začel delati na slikah, ki so vsebovale množično izdelane podobe (stripi in reklame) in običajne potrošniške dobrine, kot so pločevinke za juho Campbell in steklenice Coca-Cole. Pokazal jih je v izložbi veleblagovnice Bonwit Teller v New Yorku (aprila). Leta 1960 je spoznal tudi Billyja Linicha (ime Billy); od takrat je dolga leta pripadal krogu Andyja Warhola.
1961 Andy Warhol je ustvaril svoja prva umetniška dela, s katerimi se začne kataloški raisonné. Ta prva serija del je temeljila na reklamnih ilustracijah iz revij. V galeriji Leo Castelli si je Warhol ogledal dela Roya Lichtensteina, ki tako kot njegove lastne nedavne podobe prevzamejo stripovske motive. Warhol je povabil Ivana Karpa, Castellijevega pomočnika, da mu pokaže svoje delo. Castelli je zavrnil zastopanje Warhola in se skliceval na Lichtensteinovo novejše delo. Posledično je Warhol opustil stripovske junake kot motive za svoje podobe.
1961 Warhol je začel intenzivno sodelovati s prvotno delovno skupino za Campbellove pločevinke za juho. Vendar je sprva vedno slikal le posamezne pločevinke, vse bolj je odkrival vizualno privlačnost vrstic in kombinacij. "Campbell's Soup Cans Group of 32" in "Campbell's Soup Cans" serija XNUMX.
1962 Prva samostojna razstava kot umetnik: Warhol je na povabilo Irvinga Bluma, takratnega partnerja Walterja Hoppsa, razstavil svoje Campbellove juhe v galeriji Ferus v Los Angelesu. Naredil je dvaintrideset skoraj enakih slik, ker je bila juha v pločevinkah na voljo v dvaintridesetih različnih okusih. Razlikuje se le vsebina, česar pa zunanji videz množičnega izdelka ne razkrije.
Približno v istem času kot Rauschenberg je Warhol odkril tehniko fotografskega sitotiska kot metodo za izdelavo slik poleti. Prvo delo v tej tehniki je "Baseball", ki prikazuje slavnega igralca baseballa Rogerja Marisa. Warhol je eksperimentiral z žigi, matricami in šablonami. Warhol je nato naslikal »129 Die in Jet« na podlagi naslovnice »New York Mirror« 4. junija 1962. Poleg drugih slik katastrofe je Warhol upodobil tudi trezne steklenice Coca-Cole.
Po smrti Marilyn Monroe 5. avgusta je Warhol ustvaril portrete dive na podlagi fotografije prizora iz filma "Niagara". Andy Warhol je v svojih portretih vse bolj postavljal ikone svojega časa: ustvaril je obsežno serijo o Marilyn Monroe, Elizabeth Taylor ("Liz kot Kleopatra", 1962 - na podlagi fotografije igralke v reviji "Life" aprila 13. 1962) Elvis Presley, James Dean.
Sodelovanje na razstavi "Novi realisti" v galeriji Sidney Janis v New Yorku: ta prva velika pop art razstava je vključevala dela Roya Lichtensteina, Andyja Warhola, Claesa Oldenburga, Jamesa Rosenquista, Georgea Segala, ki si ga lahko ogledate poleg evropskih umetnin. umetniki. Warhol je bil predstavljen z "200 pločevinkami Campbellove juhe".
Eleanor Ward je v Galeriji Stable pokazala izbor Warholovih del: Portreti Marilyn in Elvisa, "Zaprite naslovnico pred udarcem", Coca-Cola. Philip Johnson je na tej razstavi kupil sliko "Gold Marilyn" za MoMA. Warhol je sčasoma končal svoje delo kot komercialni umetnik, prek katerega je do takrat financiral svoje umetniško delo.
1963 Andy Warhol je v gasilskem domu na East 87th Street postavil svoj studio brez telefona, tako imenovano "Factory". Sodelavci in prijatelji so delali na »produkciji« umetnosti. Med letoma 1962 in 1967 je tovarna veljala za vročo točko umetnikov vseh vrst. Warhol je delal pri filmih "Električni stoli" in "Race Riots". Sitotiska "Race Riots" je temeljila na fotografiji revije Life o spopadu med aktivisti za državljanske pravice in policisti v Birminghamu v Alabami.
1968 Poskus atentata na Andyja Warhola: Warholova sufražetka in igralka Valerie Solana ga je ustrelila v tovarni in ga hudo poškodovala, ker je zavrnil snemanje scenarija za svoj manifest "Society to Cut Off Men (SCUM)". Obdobje tovarn se je končalo.
1987 Andy Warhol je umrl 22. februarja 1987 v New York Hospital – Cornell Medical Center na Manhattnu v New Yorku, v starosti 58 let, po operaciji žolčnika in zapletih, ki jih je povzročila intoleranca za penicilin. Andy Warhol je bil pokopan v Pittsburghu blizu svoje družine in nekaj prijateljev. 1. aprila 1987 je bila v katedrali svetega Patrika v New Yorku spominska slovesnost, ki se je je udeležilo več kot dva tisoč žalujočih.
Tukaj je nekaj zanimivih povezav: